Un altro exploit del cinema cileno recente è rappresentato dal cinico “Tony Manero” (2008) di Pablo Larrain (già regista del buonissimo “El chacotero sentimental”, del 1999), vincitore del Festival di Torino: la perdita di identità di un uomo senza personalità, costretto ad “importare” i passi e le movenze del suo idolo (il John Travolta de “La febbre del sabato sera”), pretesto per raccontare gli orrori e il cinismo della dittatura (il film si svolge nel 1979). Lo stesso regista, ancora una volta insieme al magnifico Alfredo Castro, stesso attore del film precedente, si ripete con una pellicola che al tempo fu accolta magnificamente al Festival di Venezia, “Post Mortem” (2010), ambientata, neanche a dirlo, nel 1973. Sul regime di Pinochet la filmografia è piuttosto lunga e interessante, anche se in Italia passò piuttosto inosservato sia al Festival di Roma che in sala l’ottimo “Isola 10” (2009) di Miguel Littin, tanto per citare un esempio.

I cileni sembrano non amare molto la propria cinematografia (nessuno è profeta in patria no?), motivo per cui sono davvero poche le pellicole nazionali di cui mi hanno parlato a Santiago: il curioso “La Nana”, del 2009 (distribuito in Italia e nominato agli Oscar), l’interessante “La vida de los peces (2010), oltre al meno recente “Johnny Cien Pesos” (1993), di cui tutti parlano come la pellicola che ha permesso al cinema nazionale di esplodere (ma questo non sono ancora riuscito a vederlo). Una cinematografia in crescita dunque, che sta lentamente scoprendo la sua potenzialità: in prospettiva futura aspettiamo con curiosità la nuova pellicola di Alicia Scherson, regista cilena già vincitrice al Tribeca nel 2005 con “Play”: ambientata a Roma e tratta dall’ultimo romanzo di Roberto Bolano, “Il futuro” vede protagonisti Nicolas Vaporidis e l’attrice cilena Manuela Martelli, già apprezzata in “Machuca”.

Buenos Aires è già lontana, e mi restano soltanto pochi giorni nell’accogliente Santiago de Chile: il viaggio nel cinema dei due paesi cinematograficamente (e non solo) più interessanti del Sudamerica finisce qui, lasciandomi il ricordo di luoghi di sole, cibo e passione.

pubblicato su Livecity

Gatos viejos (2011): Pellicola cilena ambientata a due passi da dove vivo qui a Santiago. Ho accolto l’invito di un’amica e sono tornato così al bellissimo cinema Normandie, dove però stavolta mi sono un po’ annoiato. Al film manca qualcosa, si appoggia sulle spalle di una bravissima protagonista e non riesce ad andare molto oltre le sue beghe famigliari. Non credo ne sentirete mai parlare, ma in fondo non vi perdete niente di speciale. Dello stesso regista vi consiglio “La nana” (uscito in Italia con il titolo “Affetti e dispetti”), molto più interessante.

Behind the wall (2011): Cine arte Alameda, probabilmente il mio cinema preferito di Santiago: c’è un piccolo bar con musica dal vivo ogni sera, un ponte di legno che bisogna attraversare per raggiungere un altro bar, dove si svolgono eventi, reading e quant’altro, e soprattutto per raggiungere la minuscola e intima sala 2, dove ho visto questo documentario sui Pink Floyd. Il film nasce come una produzione per la televisione americana, e questo è il suo limite: è un servizio televisivo di 80 minuti, non un documentario cinematografico, che attraversa tutta la carriera dei Pink Floyd, soffermandosi particolarmente su Syd Barrett e la sua autodistruzione. Interessante, ma non è cinema.

Paradiso Amaro (2011): Candidato a cinque oscar, “The descendants” è il nuovo film di Alexander Payne, un regista che amo. Il suo stile inconfondibile, con i suoi racconti agrodolci, i suoi personaggi sfigati e totalmente reali, credibili, sinceri. George Clooney da questo punto di vista è perfetto, e probabilmente ha centrato l’interpretazione migliore della sua carriera. Un piacere totale, in una sala cilena stracolma ed educatissima: fosse sempre così, andrei al cinema ogni giorno. Da vedere e rivedere.

pubblicato su Livecity

Nove regine (2000): Uno dei film più amati del cinema argentino contemporaneo, una sorta di Stangata con una splendida coppia di protagonisti (ovviamente non può mancare Ricardo Darìn, vera e propria icona del nuovo cinema argentino), una sceneggiatura ad orologeria e un tormentone musicale sorprendente: “Il ballo del mattone” di Rita Pavone! Uno di quei film che non ci si stancherebbe di vedere, il tutto immerso nell’Argentina sull’orlo del crack finanziario. Memorabili le truffe di Darìn e la sua descrizione del sottobosco criminale di Buenos Aires. Da recuperare assolutamente.

Il segreto dei suoi occhi (2009): Vabbè, se seguite questa rubrica da un po’ di tempo saprete che questo è il mio film preferito degli ultimi 3-4 anni e forse più. Una sera a casa l’ho passata a guardare film di Juan Josè Campanella, rigorosamente in spagnolo, per cercare di imparare sempre meglio la lingua. Non parlo del film perché è un capolavoro e ne ho già parlato abbastanza nei precedenti capitoli, anche perché in un paio d’anni lo avrò già visto 4 o 5 volte.

Je l’aimais (2009): Prima esperienza in un cinema cileno, il Boligrafo, a due passi dal quartiere Bellas Artes di Santiago. Prezzo del biglietto: 3000 pesos cileni, neanche 5 euro. Il cassiere ti fa scegliere il posto da una griglia accanto alla cassa, e tu prendi il bigliettino corrispondente al posto scelto, poi lo mostri alla maschera che ti accompagnerà fino alla poltroncina. Roba d’altri tempi. Il film, in francese con sottotitoli in spagnolo, mi ha un po’ annoiato, nonostante la bravura di Daniel Auteil e la bellezza della logopedista de “Lo scafandro e la farfalla”. Appena tornato a casa il mio coinquilino canadese mi ha domandato se mi fossi annoiato perché il film era effettivamente noioso o semplicemente perché era un film francese… Ah, povero ragazzo, non ha ancora capito con chi sta parlando!

J. Edgar (2011): Probabilmente il film di Clint Eastwood meno atteso degli ultimi dieci anni (parlo totalmente a titolo personale). Sarà che il precedente “Hereafter” mi aveva deluso molto, ma non mi aspetto più capolavori come i recenti “Gran Torino” o “Changeling”. Ma si trattava pur sempre di un film di Eastwood, e dovevo assolutamente vederlo: qui in Cile non è ancora uscito al cinema, e sono dovuto ricorrere a una pratica che non amo molto (mi riferisco esclusivamente per quel che riguarda i film contemporanei, che preferisco vedere in sala), lo streaming. Beh, il film è monotono, pieno di parole, e a tratti pure un po’ noioso, anche se Leo Di Caprio si conferma uno dei migliori attori della sua generazione. Vogliamo parlare del trucco dei personaggi da vecchi? Bah. Deludente, e non mi aspettavo neanche troppo.

El mismo amor, la misma lluvia (1999): Altro film di Juan Josè Campanella, del quale mi sto impegnando a vedere tutta la videografia, o almeno tutti i suoi film con Ricardo Darìn (credo che ora mi manchi solo “Luna de Avellaneda”). La coppia di attori la porto nel cuore (gli stessi due de “Il segreto dei suoi occhi”) ed è stato abbastanza facile entrare in sintonia con il film: buonissimo, la storia di uno scrittore e una pittrice che si inseguono, si trovano, si lasciano, si rivedono e tutto quanto attraverso una decina d’anni di storia argentina. Bello, romantico, ma non indimenticabile.

Violeta se fue a los cielos (2011): Seconda esperienza in un cinema cileno, stavolta l’antichissimo Cinema Normandie, a due passi dalla storica Moneda. Anche qui 3000 pesos, ma scelta libera dei posti. Ancora la maschera con tanto di torcia elettrica. Il film, cileno, è un biopic su Violeta Parra, cantante, poetessa, artista e quant’altro, una delle voci più amate dal popolo cileno, autrice di canzoni meravigliose e talvolta strazianti. Morì suicida all’età di cinquant’anni. Il film parte con una lentezza improponibile, ma si riprende nella seconda parte, forte dell’interpretazione della protagonista e della musica di Violeta. In mano ad un altro regista sarebbe probabilmente uscito fuori un grandissimo film, ma bisogna accontentarsi semplicemente di un film abbastanza discreto.

pubblicato su Livecity

Proprio nel proficuo connubio tra i due il cinema argentino ha trovato la sua consacrazione nel 2010, con il premio Oscar per il miglior film straniero assegnato al meraviglioso “El secreto de sus ojos” (“Il segreto dei suoi occhi”, distribuito in Italia dalla Lucky Red), la storia di un agente del tribunale federale di Buenos Aires il quale, una volta in pensione, si dedica alla stesura di un romanzo a proposito del caso di omicidio che gli cambiò la vita trent’anni prima. “El secreto de sus ojos” rappresenta la quarta collaborazione tra Campanella e Darìn, che hanno lavorato insieme anche nei più o meno fortunati “El mismo amor, la misma lluvia” (1999), “El hijo de la novia” (2001, anch’esso candidato all’Oscar) e “Luna de Avellaneda” (2004). Lo stesso Ricardo Darìn, con un’altra splendida interpretazione, ha avuto il suo peso nel trionfo del cinema argentino all’ultima edizione del Festival Internazionale del Film di Roma, dove “Un cuento chino” di Sebastiàn Borensztein ha conquistato sia il Marc’Aurelio come miglior film sia il premio del pubblico.

Proprio al Festival di Roma, nel 2008, si presentò la coppia di registi Mariano Cohn e Gaston Duprat con il bellissimo “El artista” (“L’artista”), distribuito in Italia l’anno seguente. I due, già registi del documentario “Yo presidente”, vincitore in un paio di Festival in Messico e in Spagna, confermano il loro talento nel 2009 con il fortunato “El hombre de al lado”, non distribuito in Italia, ma che fortunatamente sono riuscito a vedere a Roma in una piccola rassegna cinematografica dedicata al cinema in lingua spagnola.

Se domandate ad un porteño (così si chiamano gli abitanti di Buenos Aires) quali sono i titoli fondamentali del nuovo cinema argentino, sicuramente sentirete parlare di “Esperando la carroza” (1985) di Alejandro Doria, una commedia amara che ricorda da vicino alcune commedie all’italiana degli anni 60 (soprattutto i film di Dino Risi e di Mario Monicelli). Altro titolo di cui il cinema argentino va fiero è l’ottimo “Nueve Reinas” (2000), una sorta di stangata sudamericana diretta da Fabiàn Bielinsky, ancora una volta interpretatata da Ricardo Darìn, vero e proprio simbolo della nuova cinematografia argentina. Per avere un panorama più o meno completo sull’argomento non si possono infine omettere titoli importanti come “El abrazo partido” (“L’abbraccio perduto”, 2004), vincitore dell’Orso d’argento al Festival di Berlino, “Lugares comunes” (2002) di Adolfo Aristarain, e per gli amanti della musica l’interessante documentario “Luca”, dedicato a Luca Prodan, leader della band Sumo (da ascoltare): un italiano trasferitosi in Argentina dopo la morte del suo miglior amico (Ian Curtis dei Joy Division), e anche lui morto giovane tra musica ed eccessi. Ovviamente non può mancare alla lista l’amatissimo “I diari della motocicletta”, frutto di una coproduzione sudamericana ed europea, che per questo motivo non possiamo definire un film argentino, anche se racconta il meraviglioso viaggio di due indimenticabili argentini, Ernesto Guevara e Alberto Granado.

Il tempo in Argentina si sta ormai consumando, è tempo di prendere l’autobus per Santiago de Chile, dove proseguiremo il nostro viaggio all’interno del cinema sudamericano, con la prossima puntata dedicata al cinema cileno.

1. The tree of life (Terrence Malick)

2. Il cigno nero (Darren Aronofksy)

3. Melancholia (Lars Von Trier)

4. La versione di Barney (Richard J. Lewis)

5. Midnight in Paris (Woody Allen)

6. Kill me please (Olias Barco)

7. Biutiful (Alejandro Gonzalez Inarritu)

8. La donna che canta (Denis Villeneuve)

9. The fighter (David O. Russell)

10. Drive (Nicolas Winding Refn)

11. Et in terra pax (Matteo Botrugno, Daniele Coluccini)

12. This is England (Shane Meadows)

13. The housemaid (Im Sang Soo)

14. Another Year (Mike Leigh)

15. Habemus Papam (Nanni Moretti)

16. Una separazione (Asghar Farhadi)

17.  Gianni e le donne (Gianni Di Gregorio)

18. This must be the place (Paolo Sorrentino)

19. Angele et Tony (Alix Delaporte)

20. Offside (Jafar Panahi)

Almanya (2011): Presentato alla Berlinale, è un film adorabile. Sapete (o forse no, ma va bene lo stesso) quanto ami le storie on the road, e per quanto si tratti di un road movie non proprio nel senso classico del termine, è un film che mi è piaciuto moltissimo. La storia di una famiglia turca ormai radicata in Germania da tre generazioni: il capofamiglia decide di passare le vacanze estive nel villaggio dove è cresciuto per ristrutturare la casa appena acquistata, e porta lì tutta la famiglia, raccontandole lungo il tragitto la storia del suo arrivo in Germania. “Noi siamo ciò che non sarebbe mai successo se non fossimo esistiti”. Bellissimo.

Miracolo a Le Havre (2011): Il cinema di Kaurismaki è un cinema essenziale, vintage, a tratti assurdo, ridotto all’osso per lasciare spazio ai sentimenti dei personaggi. È qui che il miracolo cinematografico si realizza completamente: un film pieno di amore per il cinema e per la vita, dietro il quale c’è una neanche troppo velata denuncia al governo Sarkozy (le sue discutibili leggi sull’immigrazione hanno provocato la risposta di altri grandi film come “Welcome”, per dirne uno). Fa quasi tenerezza vedere Jean-Pierre Leaud (l’Antoine Doinel di Truffaut) vecchio come non si potrebbe neanche immaginare, fare una comparsata rapida e indolore: ne sono passati di anni da quella lunga corsa verso il mare… Il film di Kaurismaki per quanto utopico, mette insieme una banda di sgangherati compagni di bevute, che tentano con ogni mezzo di nascondere, proteggere e aiutare un ragazzo clandestino appena sbarcato dall’Africa e braccato dalla polizia. Una favola moderna, con personaggi splendidi e scene memorabili (“Questo ananas è per me?” “No”). Da vedere.

Lo schiaccianoci (2011): Beh, forse sto diventando vecchio, ma ai miei tempi i film per ragazzi erano davvero belli. Quando ho tirato fuori questa riflessione all’uscita della proiezione, un collega mi ha risposto: “non sei tu che sei invecchiato, è il film che è brutto”. Penso che non ci sia bisogno di aggiungere altro. Noioso, sciocco, decisamente evitabile.

Midnight in Paris (2011): Come detto in apertura, avevo già visto il film in dvd, ma ora che è uscito in sala sentivo assolutamente il bisogno di vederlo su grande schermo. Il classico film che sento mio, sarà perché ho vissuto a Parigi per un pochino, sarà perché ero andato lì in cerca di risposte, di ispirazione, puntellando le serate di indimenticabili camminate notturne e riflessioni nostalgiche e piene d’amore per Parigi. Più o meno lo stesso che capita a Owen Wilson nel film, con la piccola differenza che lui finisce catapultato negli anni 20 dove incontra Hemingway, Scott Fitzgerald, Picasso, Dalì e compagnia bella. Alcune reazioni e messaggi ricevuti da amici dopo la visione del film: “J’ai vu Minuit à Paris et j’ai pensé beaucoup à toi”, “Woody Allen ha fatto un film su di te”, “Ma l’hai mandata tu la sceneggiatura a Woody Allen?”, “Ti abbiamo pensato tanto stasera”. E non sto qui a dirvi quanto mi fa godere soltanto l’idea di essere pensato durante un film di Woody Allen, in questo particolarmente. Il film del mese, senza ombra di dubbio, bellissimo, divertente e magico: andate anche voi al cinema a pensarmi.

pubblicato su Livecity

La famiglia Yilmaz emigra in Germania dalla Turchia negli anni 60, e oggi è arrivata ormai alla terza generazione, con nipoti tedeschi a tutti gli effetti, anche se di origine turca (ma «o si gioca in una squadra o nell’altra», come contesta il piccolo Cenk). Ai giorni d’oggi, l’ormai anziano Huseyin, il patriarca della famiglia, riesce a comprare una casa in un piccolo villaggio dell’Anatolia, e chiede a tutti i componenti della sua famiglia di passare insieme le vacanze estive per aiutarlo a sistemare la casa. Nonostante le rimostranze della moglie, dei figli e dei nipoti, Huseyin riesce a riunire tutti e a partire per un lungo viaggio che sarà un’occasione per raccontare la storia della famiglia e di come ha dovuto affrontare l’arrivo in Germania cinquant’anni prima.

Presentato nella selezione ufficiale dello scorso Festival di Berlino, “Almanya” (che in turco significa “Germania”), arriva in Italia proprio nei giorni in cui si discute sulla questione della cittadinanza da attribuire ai figli degli immigrati, confermando la lentezza con la quale si muove il nostro Paese rispetto al resto d’Europa e in particolare ai personaggi del film, in cui la questione sulla cittadinanza appartiene ad un racconto del passato. Un film molto bello, un invito alla multiculturalità che forse pecca su qualche cliché di troppo, ma che emoziona con la sua leggerezza e con i caparbi tentativi di Huseyin di mantenere unita la sua bella famiglia: come disse lo scrittore Max Frisch, «chiedevamo dei lavoratori e sono arrivate delle persone».

pubblicato su Livecity

Warrior (2011): Tipico esempio di film spinto dal passaparola, che ha finito per spingere anche me: non mi sarei infatti mai spinto fino al Madison a San Paolo, soprattutto dopo una serata di lavoro, se non fosse stato per i commenti entusiastici di amici e conoscenti. Ed in effetti è un gran bel film, c’è tanta roba, anche se mi ha fatto un po’ pensare al meraviglioso “The Fighter”, uscito quest’anno (e che secondo me è superiore sia come film che come storia). Ad ogni modo davvero molto bello: grandi problemi famigliari sparsi qua e là e una bella dose di sane mazzate.

One Day (2011): Solitamente evito commedie romantiche e cose di questo tipo, ma a portarmi alla proiezione stampa nonostante una bella pioggia è stata l’idea di base, che ho trovato piuttosto originale. L’evoluzione del rapporto tra Anne Hathaway e il suo migliore amico Jim Sturgess attraverso lo stesso giorno anno dopo anno, per ben vent’anni. E così ci sono scazzi, coccole, baci e abbracci, sfuriate e carezze: non male, ma neanche da correre al cinema.

I fiumi di porpora (2000): A suo tempo andai al cinema a vedere il film di Kassovitz per ben due volte, e mi ero talmente fissato con questo film da leggermi pure il libro di Grangé. Non lo vedevo da qualche anno e qualche notte fa, mentre mi rigiravo nel letto in preda all’insonnia, ho deciso improvvisamente di alzarmi, tirare fuori il dvd, e rivedermelo. Funziona ancora alla grande, e mi mette ancora i brividi esattamente nello stesso punto, ogni volta che lo rivedo. Mi piace ancora tanto, è coinvolgente e a tratti ironico, Vincent Cassell e Jean Reno si completano perfettamente. E poi questo fatto delle indagini parallele che si incontrano mi ha sempre preso alla grande. Da ripescare.

TMNT (2008): Chi mi conosce dall’infanzia ogni volta che sente parlare di Tartarughe Ninja pensa a me. Ebbene sì, i Ninja Turtles sono stati una delle mio ossessioni da bambino (io alle scuole elementari facevo sempre il Leonardo della situazione) e sono cresciuto con il cartone animato e le versioni cinematografiche (il primo film lo adoro, il secondo così così, il terzo era da dimenticare): ho pescato casualmente sul digitale terrestre questo quarto episodio (stavolta d’animazione) che non avevo mai visto e un po’ per noia, un po’ per curiosità, me lo sono alla fine guardato con grande piacere. È stato un po’ come tornare indietro di due decenni, che meraviglia!

I primi della lista (2011): Bellissimo esordio per Roan Johnson, leggero, divertente, un po’ malinconico ma anche eccitante. Si sa, sono un amante dei film on the road, soprattutto quando sono fatti bene, ancora di più quando si tratta di una storia realmente accaduta. La fuga verso l’Austria di tre ragazzi pisani, spaventati dalla voce di un imminente ritorno del fascismo in Italia attraverso un colpo di stato previsto per il giorno seguente. Una fuga che diventa un viaggio, un’avventura che cambierà per sempre il loro modo di affrontare il mondo. Chiusura perfetta con “Quello che non ho” del Faber. Da vedere.

Il buono il matto il cattivo (2010): 140 minuti di coreani che si sparano in un western pop, che non cala il ritmo neanche per cinque minuti, che osa movimenti di macchina arditissimi e si gonfia il petto con una serie di scene madri di grande livello: su tutte l’inseguimento-fiume nel bel mezzo del deserto della Manciuria, dove il Matto del titolo viene inseguito dalla gang del cattivo, dal buono, dall’esercito giapponese, da un gruppo di predoni del deserto e da una banda di ribelli coreani. Il tutto a ritmo di pallottole e di “Don’t let me be misanderstood” nella versione tarantiniana (quella di Santa Esmeralda utilizzata in “Kill Bill” insomma). Una lunga cavalcata fatta di sparatorie, tesori, sidecar, coltelli e grandi avventure, dove il mondo continua ad essere diviso in due categorie: chi ha la pistola carica, e chi scava.

pubblicato su Livecity

Nella Manciuria degli anni 30, occupata dall’impero giapponese, tre pistoleri coreani si incontrano e si fronteggiano: il Matto, un ladruncolo che si trova casualmente tra le mani la mappa di un tesoro immenso; il Cattivo, un criminale senza scrupoli che non solo vuole la mappa, ma ha anche una questione aperta con il ladro; il Buono, un cacciatore di taglie lanciato alla ricerca degli altri due. Sulle orme del Matto ci sarà anche l’esercito giapponese, una banda di predoni del deserto e un gruppo di ribelli coreani: tra zuffe, inseguimenti e scontri a fuoco, la strada verso il tesoro diventa una scia di sangue che condurrà tutti i suoi personaggi verso un inevitabile resa dei conti.

Uno spaghetti (di soia) western dagli occhi a mandorla, in cui gli spari e le esplosioni sono il battito di ciglia di un film frenetico e ardito: un’operazione complessa e costosa che rischiava di trasformarsi in pantomima, ma che invece dà l’impressione di essere sì pomposo e caciarone, ma allo stesso tempo anche irresistibile omaggio ad un genere che non appartiene più al cinema di oggi, ma che nessuno dimentica. Una lunga cavalcata fatta di sparatorie, tesori, sidecar, coltelli e grandi avventure, dove il mondo continua ad essere diviso in due categorie: chi ha la pistola carica, e chi scava.

pubblicato su Livecity

Emma e Dexter si incontrano il 15 luglio del 1988, il giorno delle loro lauree, e trascorrono l’intera notte insieme, dando inizio ad un’amicizia destinata a durare per sempre. Lei è ambiziosa, brillante, piena di speranze per il futuro; lui è ricco, viziato, senza grandi idee e voglia di crescere, che vede nel divertimento continuo l’unico obiettivo della sua vita. Anno dopo anno, il 15 luglio rappresenta un crocevia essenziale del loro rapporto, fin quando i due capiranno che ciò che hanno sempre cercato e voluto in realtà era proprio il significato di quel primo, ormai lontano, 15 luglio 1988.

Un film costellato di alti e bassi, basato su un’idea piuttosto originale che però perde la sua potenza in un “colpo di scena” forzato che sembra piazzato là, ad un quarto d’ora dalla fine, come se non si fossero trovate idee migliori per risolvere i novanta minuti precedenti. Un bel finale risolleva comunque le sorti di un film ad ogni modo interessante, con una coppia di attori ben assortita (la sempre brava Anne Hathaway e il Jim Sturgess di “Across the universe”). “One day” racconta attraverso un espediente piuttosto originale l’evoluzione di un rapporto intessuto come un puzzle, sottolineando come il tempo a volte possa regalare una seconda occasione, senza però concedere l’opportunità di recuperare gli anni persi.

pubblicato su Livecity